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Por: Daniel Navarrete S.
Escribir respecto al deseo no es una tarea sencilla. La palabra en cuestión da para muchos significados, aunque usualmente asociada a lo sexual y al regocijo de lo material. Desde la perspectiva del cine, el deseo como elemento dentro de una trama tiende a ser explotado en películas donde la seducción, romance y erotismo subyacen al desarrollo de los personajes. Resulta extraño que en géneros ajenos a las cualidades antes nombradas, asociemos la palabra deseo a escenas de violencia, comedia o drama. Es por eso que para no ser menos en este número temático del deseo, me dejé llevar por el lado facilista y empecé a recordar alguna película que llevara en su título la mentada palabra, pero que a su vez, resultara dificultoso ubicarla en el argumento.
Ahora bien, existe una película que para muchos es de culto y que en su título evoca la palabra deseo, y quienes la han visto elaboran diversas respuestas para aquel título. Hablo de Blow up, también traducida como «Deseo de una mañana de verano», obra de Michelangelo Antonioni realizada en 1966 y premiada en Cannes con la Palma de Oro.
Recuerdo haberla visto hace un tiempo y reconozco que la encontré tremendamente sobrevalorada y a ratos aburrida. Creo que está especialmente dirigida a un público muy engrupido con la onda intelectual, y más si muestra un Londres con efervescencia cultural, desenfreno, raros peinados y muchachada «mod».
El guión basado en un relato de Julio Cortázar, es la historia de un fotógrafo de moda que asiste circunstancialmente al asesinato de un hombre en un parque, hecho que descubre a partir de unas fotos tomadas, resultando este acontecimiento la punta de lanza para que la película tome algo de sentido y un argumento interesante; sin embargo, el misterio que se apodera de la trama a causa del descubrimiento no es aprovechado, puesto que se priorizan las sesiones fotográficas con las modelos de turno, los paisajes londinenses y acciones sin sentido, dejando el eventual asesinato y su reconstrucción como si se tratara de un puzzle fotográfico en un lugar secundario.
De allí en más, un sinnúmero de planos eternamente largos, personajes decorativos que no aportan al desenlace y confusión al por mayor para acabar con una metáfora sobre la realidad y la ficción.
Atención con:
The Yardbirds aparece en una de las escenas finales tocando en una especie de galpón, quizás el mejor reflejo de la juventud y el arte de aquella época.
El partido de tenis jugado por los mimos con una pelota imaginaria. Curiosa manera de dar cuenta de la expresión y libertad.
¿Y el Deseo donde esta?, al parecer en el fotógrafo aburrido de sus modelos y con ganas de encontrar algo interesante que le remueva los cimientos de su vida. Lastima que la película desvirtuara esta búsqueda.
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Por: Daniel Navarrete Sánchez
Luis Vera (Bastardos en el Paraíso – Viola Chilensis) intenta mediante una reunión familiar campestre mostrar las consecuencias de mezclar política, alcohol, resentimiento y un secreto familiar durante las fiestas patrias.
El hilo de la película lo constituye la reunión familiar con motivo del compromiso entre Álvaro (Tiago Correa) y Macarena (Adella secall). Como ambas familias no se conocen salen a relucir las diferencias políticas.
Antonio (Nelson Brodt) es el dueño de casa y padre de Macarena, posee un pasado militar al servicio de la dictadura y sufre constantes desencuentros con su mujer Isabel (Marcela Osorio).
Por su parte, en la familia de Álvaro se encuentran los ex marxistas reconvertidos representados en la figura de sus padres (Sergio Hernández y Maricarmen Arrigorriaga), e izquierdistas de viejo cuño como Ernesto (Patricio Contreras), una inoportuna visita cuyas intervenciones caricaturizan la transición política de nuestro país reflejada en estas dos familias.
A ellos se suman un antagónico grupo de personajes: oficiales de la Armada, miembros en retiro del Ejército mezclados con exiliados, ex comunistas y abogados de refugiados, cuya trascendencia en la trama apunta a reafirmar ciertas temáticas que subyacen en la película. Entre ellas, la división política, rascismo, ideología, disfuncionalidad familiar, celos, drogas y sexo.
Ahora, la atención hay que fijarla en los personajes de Macarena, Isabel, Ernesto y Antonio, puesto que ellos llevan el peso del argumento. Macarena parece mas preocupada de saber el pasado de su madre que del compromiso con su novio, Isabel esconde una verdad pactada con su marido, Antonio evade su pasado para no abrir heridas, mientras que Ernesto pone en la mesa los recuerdos que llevan a que los anteriormente nombrados escudriñen en las verdades que estaban ocultas.
Una radiografía al sentir nacional post transición que buscaba ser un reflejo del estado moral y social de Chile, pero que a ratos abusa del exceso de personajes con el fin de entregar estereotipos de la sociedad chilena, y con ello la necesidad de incluir diversos topicos que tienden a despotenciar el drama que se desencadena al final de la película.
Al momento de su estreno se vio envuelta en una polémica por el supuesto plagio de Luis Vera a un cortometraje llamado «Plato Fuerte», del cual habría tomado «prestadas» unas ideas.
Plato Fuerte:
Por: Daniel Navarrete Sánchez.
Cuando se habla de Al Pacino, se habla de un peso pesado. Al igual que tipos como Robert de Niro, Paul Newman o Jack Nicholson en su momento, su sólo nombre aseguraba encontrase generalmente ante buenas películas. Principalmente a partir de los años 90, intercalaron películas notables con otras en que al parecer con un prestigio ya ganado decidieron hacerse unas lucas y no fijarse tanto en el guión.
Al Pacino es sinónimo de Tony Montana, Michael Corleone, o Carlito Brigante por nombrar algunos de sus personajes célebres; sin embargo, a solo un año de haberse comido el mundo con tamaña interpretación en El padrino II, se mandó un papel donde reafirma su categoría interpretativa, de la mano de un director como Sydney Lumet que ya lo había tenido en Sérpìco (1973) y que en Tarde de Perros (Dog Day Afternoon) lo elevó a la condición de «actorazo». Por ahí leí que la interpretación de Pacino en esta película esta considerada dentro de las cinco mejores de la historia, y vaya que se ajusta a tal merecimiento. La historia de la película es bastante simple: dos tipos deciden asaltar un banco. Se supone que el atraco debería durar breves minutos, pero su poca experiencia los lleva a cometer errores que permiten que la policía, la televisión y el público al mejor estilo reality show se hagan parte de un espectáculo, donde Sonny interpretado por Al Pacino, se gana el reconocimiento del público mediante el carisma que demuestra, como por las razones que motivan el asalto: pagar el cambio de sexo de su amante, sin lugar a dudas un descubriendo dentro del film, divertido como insólito.
Volviendo a Pacino, en esta interpretación se muestra tenso y nervioso. Nerviosismo que se traspasa al espectador, quien empaliza y se convierte en cómplice del personaje, situación en la que se encuentran los rehenes del banco denotando el «síndrome de Estocolmo». A su vez, se aprecia el papel de la prensa con el sabido sensacionalismo, los espectadores que reprueban el accionar policiaco, estos últimos que se suman al show en que se transforma el fallido asalto, y la visión de la época hacia algo tan actual como la homosexualidad.
Mención especial merece John Cazale, actor que interpreta al segundo asaltante y que murió tempranamente de cáncer. Su personaje destila inseguridad y patetismo que se amoldan perfectamente al descontrol de Sonny.
En resumen, una joyita ganadora de un Oscar al mejor guión, para atesorarla e ir descubriendo las primeras apariciones de un maestro de la actuación como el -a estas alturas- viejo y querido Al.
Por: Daniel Navarrete Sánchez.
Película basada en un hecho verídico y que aún no llega a las salas, aunque es posible encontrarla en el circuito de distribución alternativa (léase cuneta, persa, feria), donde desde hace un par de semanas aparece para ser adquirida.
Pues bien, La Escafandra y la Mariposa es el título de un libro escrito por Jean-Dominique Bauby, editor de la prestigiosa revista Elle, quien en 1995 a causa de una embolia queda paralítico, sin poder moverse, y por ende, incapaz de realizar tareas básicas como alimentarse y hablar si no es mediante la asistencia de otra persona. En jerga médica tal condición fue bautizada como Locked In Síndrome o Encerrado en si mismo. Ahora, ¿cómo diablos escribió el libro este tipo?, La respuesta es que el único órgano útil para comunicarse fue su ojo izquierdo mediante parpadeos. Un parpadeo correspondía a un sí, dos parpadeos a un no. A partir de esta metodología, y bajo la ayuda de los terapeutas que lo atendían, ejercitó un código de comunicación basado en el alfabeto y los parpadeos. De esta manera fue capaz de construir palabras, frases y párrafos letra por letra, estimulando aspectos que no se vieron paralizados como la conciencia y la imaginación.
La temática no es nueva. Se han visto ejemplos de enfermedades catastróficas llevadas al cine, (Mar Adentro por citar una), la gracia a mi parecer es la combinación del drama de la situación en que se ve envuelto el protagonista, con unos sutiles toques de humor negro que emanan de este, a sabiendas de encontrase lúcido y consciente de su tragedia. A esto, sumar la posición de la cámara dentro del film, simulando ser los ojos de Bauby, resulta una apuesta que por un lado otorga realismo, pero como contraparte a ratos cansa debido a los constantes desenfoques. De igual manera, la narración desde el punto de vista del protagonista, la fotografía, los flash backs de la historia, así como la interpretación de Mathieu Amalric en el rol principal hacen de la película una interesante opción para ver.
Dirigida por Julian Schnabel y estrenada el 2007 ha conseguido diversos premios y nominaciones:
– 4 nominaciones a los Oscars (director, guión adaptado, fotografía y montaje)
– Ganadora de 2 Globos de Oro, (mejor director y mejor película)
– Premio al mejor Director en Cannes.
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Documental que cuenta la historia de dos activistas sociales quienes haciéndose pasar por representantes de la Organización Mundial de Comercio asisten a cuanta conferencia son invitados, y a través de un discurso políticamente incorrecto y cargado de sátira demuestran que si bien, las corporaciones nos manejan a su antojo, es posible dejarlas en ridículo mediante la infiltración y lo que ellos han denominado como corrección de identidad, desenmascarando a personas e instituciones que no son lo que dicen ser.
Los Yes Men son Andy Bichlbaum y Mike Bonanno que comenzaron saboteando juguetes como Barbies y Gi Joe, para posteriormente registrar un dominio web contra Busch donde se daba a conocer el pasado oscuro del personaje en cuestión. De ahí a suplantar a la OMC un sólo paso.
Los mejores momentos del documental ocurren cuando desde el poder que les otorga ser “representantes” de la OMC realizan comentarios denigrantes contra trabajadores y consumidores ante la aprobación y en menor medida indiferencia de quienes los oyen.
Un par de perlitas del documental:
Siendo partes de una conferencia presentan un traje (con performance incluida) que posee características fálicas evidentes, el cual permitiría controlar y esclavizar a los trabajadores mediante una pantalla.
En su papel de representantes de la OMC anuncian que esta se disuelve para dar paso a una organización cuyos principios estarán basados en los intereses humanos y no comerciales, ante la atónita mirada de empresarios que ven con optimismo tal decisión.
El documental es del año 2003 y es posible verlo en la siguiente dirección http://video.google.com/videosearch?hl=es&q=the+yes+men
Por: Daniel Navarrete Sánchez.
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Si tomamos en cuenta el pensamiento hobbesiano respecto a su definición de naturaleza humana, que se manifiesta en la premisa “El hombre es un lobo para el hombre”, calza perfectamente con la realidad aterrante que se proyecta en El Experimento. Aquí vemos cómo al adoptar un rol determinado, nuestro comportamiento va generando cambios insospechados.
La película “El experimento” del alemán Oliver Hirshbiegel nos muestra una inquietante realidad. Nos hace reflexionar y preguntarnos ¿Cómo actuaríamos nosotros si nos encontráramos en una situación de ese tipo? ¿Cuáles son los límites del actuar humano? ¿Nos conocemos realmente? ¿Cuál es nuestra verdadera naturaleza? ¿La sociedad condiciona nuestra personalidad?
Esta película se basa en un experimento real hecho en la Universidad de Stanford en el verano de 1971, por el psicólogo social Philip Zimbardo. El objetivo: estudiar los efectos psicológicos que pueden producir en las personas el adoptar un rol determinado, en este caso, de prisionero o guardia. Más allá de pensar si fue ético o no el estudio realizado, el resultado es alarmante, la simulación se convirtió en realidad. Los prisioneros comenzaron a tener signos de depresión y estrés; los guardias, con el paso de los días, impusieron autoridad, demostraron violencia y humillación injustificada hacia los prisioneros. Se muestra un proceso de alienación que es difícil de asimilar, aceptar o incluso creer. Nos llama la atención que seres humanos, comunes y corrientes, lleguen a adoptar posturas tan disímiles y de tanta hostilidad según el rol que les toca desempeñar ¿Dónde acaba nuestro papel y comienza nuestra identidad?
El proceso de alienación de los voluntarios durante el experimento deviene en una activación de sus instintos más primitivos, llegando a aceptar e infligir los castigos más viles, despertándose la sensación de poder y el enfrentamiento entre líderes que, luego de unos días, se reduce al hecho más elemental de la vida humana, la supervivencia. ¿Cuáles son las conclusiones que podemos obtener sobre la naturaleza humana?
Por: María José Quesada
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Mención aparte esta película del 2007 que narra la historia (otra vez!!) de dos hermanos que deben hacerse cargo de su padre, el cual posee síntomas de demencia. Tan así, que el viejo escribe con su propia mierda (léase caca) en el baño de su casa. Un drama de aquellos, donde se muestran las penurias de ambos hermanos que se mantenían distanciados del padre a causa de una crianza no muy fácil. Nuevamente aparece en escena Philip Seymour Hoffman quien junto a Laura Linney interpretan a la pareja de hermanos. Acá el peso de la película no se lo lleva Hoffman (no por ello actúa mal), sino que Linney como una mujer ad portas de los 40 años que debe lidiar con la enfermedad del padre, el hermano distante, y una vida frustrante en el plano sentimental y creativo.
Un buen drama, ideal para ver esas tardes nubladas, cuando hace frío y donde lo único que podría empeorar las cosas es una película bien tristona, pero no por eso mala.
Antes que me olvide, fue dirigida por Tamara Jenkins y aún no se estrena en Chile.
Pídansela a su casero amigo. Quizás crea que es la última de Eddie Murphy, pero le explican se trata sobre un viejo que escribe con caca.
Por: Daniel Navarrete Sánchez.
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Última película del octogenario director Sydney Lumet, director de obras como Doce Hombres sin Piedad, Tarde de Perros, El Prestamista y Sérpico entre otras.
La película narra la historia de dos hermanos, cada uno con necesidades económicas imperiosas, Andy, interpretado de manera notable por Philip Seymour Hoffman es un hombre ligado a los negocios adicto a la heroína y con planes de cambiar de vida junto a su mujer. Por otro lado, Hank con Ethan Hawke asume el rol del hermano que a duras penas puede pagar la pensión a su ex esposa e hija. Ambos, para salir de sus problemas deciden planear el robo de la joyería familiar a cargo de sus padres. Sin embargo, lo que sería el robo perfecto, sin lastimar a nadie y con un jugoso botín, termina en una pesadilla para ambos a causa de un cómplice que no cumple con el plan acordado.
Lumet entrega una película que se sustenta en la psicología de los personajes, con un Hoffman frío, calculador y sin escrúpulos, acompañado de un Hawke temeroso y arrepentido. A esto se suma un una estructura con idas y vueltas (a lo Memento), donde a los personajes se los sitúa antes y después del robo, enterándonos de su vida diaria, los conflictos que desembocan en el plan a perpetrar y sus posteriores consecuencias, donde el padre de ambos, interpretado por Albert Finney toma un rol determinante para la trama.
Si bien el argumento puede flaquear si nos ponemos quisquillosos y detallistas al extremo, es una película distinta a lo que suele encontrarse actualmente en cartelera donde abundan las películas para adolescentes y éxitos de taquilla calados. Como dato anexo el filme es del 2007, y aún sin fecha de estreno en Chile.
Si les interesa encárguensela a su casero de películas piratas, y explíquenle que no es la última de La Roca, Vin Diesel, ni Steven Seagal, por si no la ha oído nombrar ni a palos.
Por: Daniel Navarrete Sánchez
Cine y Documentales 